花季的盛宴，滿載陽光的喜悅。

台灣畫家在1999兔年所創作的靜物畫裡，有些以生活中賞玩的兔子為背景，有些則在一束花中隱喻生命的短暫珍貴、或歌頌著花與其背景的一片景色；台灣特別明麗的光線下所呈現的花瓣，使畫布上花的顏色因此而顯得濃烈酣厚。西方與東方地域文化上的差異，就在一幅靜物畫上呈現出來了。

《花季盛宴99春靜物展》由李克全、詹浮雲、張炳堂伂奶Q二位畫家參展，展現台灣畫家努力多年來的靜物畫風格：有陽光、景色、以及一些幻想和回憶。

早期歐洲的靜物畫大都是在表現虛空或是象徵著宗教上的某些意義。也有以花卉為題材，顯示季節的豐收或轉換，多少具有文學意味在裡面。

從台灣的陽光和雨水來看植物，本土的花果和世界各地是不同的；如果從畫家生活上所接觸的題材和情感內涵來看台灣靜物畫，也是和別的國家不一樣。一幅靜物畫的欣賞，總要建築在創作者與觀賞者的生活背景以及心聲上。

儘管台灣美術的起源與學習，分別來自中國、日本以及西方，但是經過整個二十世紀的學習、模仿與創新，也逐漸發展出自己的風格。

靜物的歷史

台灣的靜物畫，至今不過一百年，在人文背景上，已遠離宗教的隱喻性，而比較傾向於呈現生活內涵的創作形式。「靜物畫」成為美術史上的獨立名詞，是由塞尚開始的。塞尚這一位後印象派大師、現代繪畫之父，在靜物畫上的創作，是極富科學哲理的。南畫廊在歷年「靜物畫」專題展中，也是不斷的探討，如今已大略整理出台灣靜物畫的發展脈絡。

台灣靜物畫裡的陽光

台灣許多畫家在靜物畫上的創作，都受到塞尚思想的影響；尤其是紀元畫會的幾位前輩畫家：陳德旺、張義雄、廖德政等人。

如果說靜物在古典主義時期表現的是客觀的矯飾，浪漫時期表現的是個人的生活，塞尚表現的是科學的思考；那麼，台灣靜物畫在二十世紀末表現著陽光的足跡，似已形成其特殊的風格。

梅原龍三郎（1888-1986）與台灣前輩畫家郭柏川（1901-1974）曾於1937-48年間幾次同遊北平作畫，北平古器物的特色，多少左右他們的畫風。回到台灣以後，郭柏川于1952年組織「南美會」，並將其受梅原影響的靜物畫風格帶入台灣本土，南美會創始會員張炳堂是第一位受其影響的畫家，不過他自己又發展出帶有強烈陽光之足跡的野獸派色彩。

台灣早期的物質條件相當困苦，許多前輩畫家投注繪畫的決心等同於與命相搏，1914年出生的張義雄回憶他的創作生涯說：

「風景太美了我會被迷惑，只有在畫靜物時我才能掌握自己。」

從前輩到中青輩畫家，台灣每一位創作者都積極尋找自己的繪畫風格，期待從師承的影響或對西方美術的巡禮之中，有所突破。

回顧以往，瞻望未來，台灣中堅畫家繼承前輩的期待繼續投入繪畫研究。突破是必然的，他們又創造了什麼？

靜物畫裡的風景

室內靜物與風景的結合，是中堅畫家一個大膽的突破。在一幅畫中同時出現窗外的景色又保有室內的靜物，在台灣前輩畫家作品中是少有的。

以前著重於室內背景的安排，因為那是一個空間的創造者，它的光源仍是室內的、甚或模糊不清。後來的畫者，追逐陽光，有些畫家將靜物畫的光源改成室外陽光，自然窗戶出現了，窗外的景色也出現了，並且逐漸由模糊的綠色調，走向清晰的風景輪廓。這一來，幾乎無法劃分風景與靜物，因為他們在畫面上佔有同等重量。

例如師承李石樵的劉國東，他的瓶花雖帶有李老師寧靜華貴的氣息，但是他歌頌台灣大自然山景、海景的心意，卻巧妙地融合到他的靜物畫裡。

有畫家說：「不是畫著蓮霧、鳳梨就能代表台灣。」發自內心的愛情是無法偽裝的，所有的靜物畫都只是一個媒介，藉以傳達畫家的情感與思想。倘若畫家的內心是孤寂鬱悶或是狂妄的，他就應該畫出孤寂鬱悶或是狂妄的蓮霧或鳳梨。

女人和男人欣賞畫作的角度不太一樣，一個理性或感性的人所觸及的畫作內涵也不盡相同。南畫廊時常以專題展的方式，在一個同主題的展覽之中同時展出多名畫家作品，他們所表現的繪畫風格在不同的欣賞族群中，受到不同的風評，這也是收藏家之間相互討論的趣味所在。

畫布上的春夏和秋冬

畫家從生活中尋找創作的靈感、從生命的歷練中累積繪畫風格的動力；欣賞一幅靜物畫，不只是在看著畫布上的春夏、秋冬，也在印證一段生命之旅。二十世紀末，台灣人的生活由物質的貧窮走向心靈的貧窮；藝術欣賞的體驗在文明社會裡從來不曾被忽視過，這似乎是一種來自心靈深處的渴望與掙扎。