你了解靜物畫嗎？

文 黃于玲

畫裡的春天在哪兒？ 林之助說：「畫家要有追求不到的目標才會時時進步，」如果目標很快達成，就不必再畫了。 欣賞一件藝術品也是一樣。對於我們喜歡的一幅畫，就要努力找出它的春天在哪兒？

靜物畫來自很早以前的歐洲，畫中的骷髏頭或是貝殼，大都是在表現虛空、或是象徵著宗教上的某些意義；也有人畫著盛開的花，表示季節的豐收或轉換，多少具有文學意味在裡面。 台灣靜物畫，在表現什麼呢？一幅靜物畫的創作或欣賞，大都是建築在一個人的生活背景以及他的心聲上。 1999兔年台灣畫家所發表的靜物畫，有些以溫柔的兔子為背景，有些則在一束花中暗示生命的短暫珍貴、或歌頌著花與陽光大地。

台灣大太陽底下的花瓣，使畫家畫出來的花，顏色顯得很亮麗，西方與東方地域文化上的差異，就在一幅靜物畫上呈現出來了。 儘管台灣美術的起源與學習，分別來自中國、日本以及西方，但是經過整個二十世紀的學習、模仿和創新，也逐漸發展出自己的風格。

靜物畫都是不會動的嗎？
靜物的歷史，似乎從西元前五世紀的希臘便開始了。中國花鳥畫中的花卉、水果，也稱得上是一種靜物畫。荷蘭的靜物畫發展，比歐洲其他國家還要早，他們統稱所有描繪無生命物品的畫叫做靜物，舉凡：花卉、水果、食物、餐具、樂器、頭顱...都是他們選用的主題內容，畫家想表現的是幸福或虛空。

那麼，台灣靜物畫又畫著些什麼呢？

台灣的靜物畫，至今不過一百年，在人文背景上，已遠離宗教的隱喻性，而比較傾向於呈現生活內涵這樣的創作形式。 其實早自十八世紀最具創意的巨匠之一-夏丹開始，靜物已逐漸脫離法蘭德斯裝飾性的畫法，而進入一種獨立美術形式的階段。

夏丹在靜物上，不再使用華麗、假惺惺的題材，而專注在簡樸的家庭用品上，他運用嚴謹和諧的排列，使靜物畫由古典主義時期邁入浪漫主義，終於開啟現代靜物畫的大局面。 不過「靜物畫」成為美術史上的獨立名詞，是由塞尚開始的。塞尚這一位後印象派大師、現代繪畫之父，在靜物畫上的創作，是極富科學哲理的。

他運用高視、平視 、側視、仰視的多視角在同一幅畫面上的作法，以及將所有物體看成立體幾何圖形的觀念，造成了後來立體主義的形成。

每一朵花都有陽光
台灣許多畫家在靜物畫上的創作，都受到塞尚思想的影響，尤其是紀元畫會的幾位前輩畫家：陳德旺、張義雄、廖德政等人。

如果說靜物在古典主義時期表現的是那麼假惺惺，浪漫時期表現的是個人的生活，塞尚表現的是科學的思考；那麼，台灣靜物畫在二十世紀末表現著陽光的足跡，好像已形成人們喜愛的風格。

台灣前輩畫家郭柏川（1901-1974）在日本留學時，認識梅原龍三郎（1888-1986），他們兩人曾於1937-48年間幾次同遊北平作畫，北平古器物的特色，不知不覺中影響他們的畫風。

回到台灣以後，郭柏川于1952年組織「南美會」，並將他受梅原影響的靜物畫風格帶入台灣本土。南美會創始會員：張炳堂是第一位受他影響的畫家，不過，後來他自己又發展出帶有強烈陽光那種感覺的野獸派色彩。

早期留學東京美術學校時，受教於田邊至、藤島武二、安井曾太郎...等老師的陳澄波、廖繼春、顏水龍、廖德政...等台灣前輩畫家，他們的靜物畫，有些是畫著生活上的紀錄，有些則是在歌頌大自然、或表現著一種深刻的心聲。

從前輩到中青輩畫家，台灣每一位創作者都積極尋找自己的繪畫風格，期待從師承的影響或在西方美術的巡禮之中，有所突破。他們有些被冠上印象、意象、抽象派畫家的名詞，不過到最後，作品都為他們做了最後的裁判，這個裁判並不是來自藝評家或最高文化機構，而是來自人們的欣賞。一件作品，唯有被人們欣賞、感動才獲得永恆。

台灣早期的物質條件相當困苦，許多前輩畫家投注繪畫的決心，等於是和性命相搏鬥， 1914年出生的張義雄回憶他的創作生涯說：

「風景太美了我會被迷惑，只有在畫靜物時我才能掌握自己。」

台灣美術之路的第一個腳印，是前輩畫家赤足踩出來的；他們在本世紀末逐漸凋零。回顧以往，瞻望未來，台灣中堅畫家繼承前輩的期待，投入繪畫研究。突破是必然的，他們又創造了什麼？

靜物畫裡的風景
室內靜物與風景的結合，是中堅畫家一個大膽的突破。在一幅畫中出現窗外的景色、同時又保有室內的靜物，在台灣前輩畫家作品中是少有的。

以前著重於室內背景的安排，因為那是一個空間的創造者，它的光源仍是室內的、甚或模糊不清。後來的畫者，追逐陽光，有些畫家將靜物畫的光源改成室外陽光，自然窗戶出現了，窗外的景色也出現了，並且逐漸由模糊的綠色調，走向清晰的風景輪廓。這一來，幾乎無法劃分風景與靜物，因為他們在畫面上佔有同等重量。

西方象徵派畫家波納爾，就是一個喜歡畫著由室內看向室外風景的著名畫家。他透過一扇窗、或一片門的安排，同時呈現外面的陽光風景以及隱私的屋子內裡，那裡面還藏著他的戀人呢。

不過，台灣畫家處理靜物畫窗外的景色，是以一片農村或觀音山、淡水河，而不是一條塞納河；這就是情感認同的差異。台灣畫家對前者的情感是一種內心的共鳴，對後者則是一種旅情的憧憬或回憶。

例如師承李石樵的畫家劉國東，他的瓶花雖帶有李老師寧靜華貴的氣息，但是他歌頌台灣大自然山景、海景的心意，卻巧妙地融合到他的靜物畫裡。

有畫家說：「又不是畫著蓮霧、鳳梨就能代表台灣。」發自內心的愛情是無法偽裝的，所有的靜物畫都只是一個媒介，用來傳達畫家的情感與思想。倘若畫家的內心是孤寂鬱悶或是狂妄的，他就應該畫出孤寂鬱悶或是狂妄的蓮霧或鳳梨；虛偽，只會謀殺一名藝術家。

繪畫風格的創造是最困難的，從色彩、構圖、線條到題材的選取或是畫中引喻的內涵，都可以代表一個畫家的風格。

女人和男人欣賞畫作的角度不太一樣，一個理性或感性的人所觸及的畫作內涵也不盡相同。畫廊時常以專題展的方式，在一個同主題的展覽之中同時展出許多名畫家作品，他們所表現的繪畫風格在不同的欣賞族群中，受到不同的風評，這也是收藏家之間相互討論的趣味所在。

畫布上的春夏和秋冬
「紀元畫會」1954年成立，裡面的畫家在當時被稱為「在野的」，他們都有創作的熱情與主觀性，卻不為官辦展所認同。他們時常定期相聚討論個人的繪畫見解，可是卻因此有好幾次鬧翻，輕微時，也鬧得臉紅脖子粗，理由不外乎：對藝術的解釋不同。他們因繪畫而吵架，也因繪畫而重修舊好，畢竟在台灣或世界任何地方，當一名藝術家都是寂寞的，也可以說是悲情的。

畫家從生活中尋找創作的靈感、從生命的歷練中累積繪畫風格的動力；欣賞一幅靜物畫，不只是在看著畫布上的春夏、秋冬，也在印證一段生命之旅。

花布上的春天-那花布來自畫家，春天則屬於懂得欣賞的人。

載自《花布上的春天—靜物畫》